El Retrato en el Renacimiento.

"No sientas lástima por el humilde pintor, podría ser el señor de todas las cosas, de todo lo que existe en el universo. Primero lo tiene en su mente, y luego en su mano".
Leonardo da Vinci (1452-1519).

"Uno de los géneros de pintura que mejor pueden definir el cambio que supuso el Renacimiento con En el Renacimiento el retrato supone entonces el triunfo del hombre y de su posición central en el universo".
respecto a la Edad Media es el retrato". El hombre se consolida en todas las áreas y actividades de la vida y toma un papel fundamental en todos los aspectos..."en la historia de su familia, de su ciudad, de su país etc, en el pensamiento, en la economía y en la política"... es entonces que se busca dejar su rostro para la posteridad, como una forma de autoafirmar su importancia como individuo, "mostrando la apariencia física que en realidad tuvo". "El retrato es la forma de superar la muerte, con una imagen que pretende muestre todas las virtudes y los logros alcanzados en la vida, para así de esta forma ser recordado. "
El retrato implica básicamente, la representación de una persona, un individuo específico y determinado  no es una alegoría ni un personaje mitológico, es alguien que realmente vivió y quiso dejar plasmado para la posteridad su persona-personalidad, sus logros y éxitos y tal vez porque no, su forma de ser. Cuando decimos que los artistas en el renacimiento lograban captar el carácter y la "forma de ser" que identifica a cada persona, decimos que tuvieron la capacidad de representar en la plástica y la escultura, la dimensión psicológica del individuo. Entonces... no es solamente dibujar-pintar a una persona, sino que esa pintura o dibujo me tiene que mostrar como era en realidad ese individuo. El Retrato entonces muchas veces no se pintaba dentro de otro tema, religioso o mitológico, sino que se independiza de todo y toma una importancia enorme.
"Los dos pintores italianos que más influyeron en el arte del retrato, antes de la llegada de Tiziano y la escuela Veneciana, fueron sin duda, Leonardo y Rafael".

Maestros del Retrato.
La Monna Lisa de Leonardo da Vinci "se ha convertido en uno de los paradigmas de la belleza del arte
occidental. Con un paisaje como fondo, la figura resulta tan misteriosa como ese paisaje, en el que Leonardo muestra su genio para hacer profundo el espacio mediante las luces y los colores que se transforman con la lejanía. La mujer de Francesco del Giocondo, Monna Lisa, sentada, se vuelve hacia nosotros con una leve sonrisa".
Interpretación breve de la pintura (video).
La Monna Lisa es considerada como uno de los mejores y más importantes retratos de todos los tiempos. Ha inspirado a lo largo de la historia a una multiplicidad de artistas... pero ¿por qué?
La pintura es pequeña, solamente de unos 30 por 20 cm y el color es sombrío, con un fondo que parece desesperado y misterioso. En el tema, quien es representada no es una figura histórica relevante, entonces ¿por qué todo este alboroto con esta pintura? ¿realmente todo esto es por una mirada desconcertante y una sonrisa enigmática? Bueno, echemos un vistazo más de cerca para ver. Una de las mayores innovaciones de Da Vinci aquí es que se plantea a la figura retratada de una forma relajada e informal, aunque para nosotros la postura de la Monna Lisa puede parecer común  y casi trivial, esto fue revolucionario en el siglo XVI. En los anteriores retratos los individuos se presentaban con poses endurecidas y artificiales consistiendo básicamente en perfiles, la Monna Lisa entonces es una puñalada al nuevo estilo de la pintura del retrato, viéndose mucho más natural y convirtiéndose en un modelo incluso hasta hoy en día, unos 500 y tantos años después de que fue realizada. La composición piramidal del retrato es también otra gran innovación de da Vinci, que ya habíamos visto en clase, en otras pinturas como Santa Ana, La Virgen y El Niño. Noten que por ello la base (la parte inferior de la pintura) parece mucho más pesada que la parte superior. En las base destacan las manos que ubicadas en un primer plano forman parte sustancial del frente, colocadas levemente hacia una esquina. Nuestros ojos son atraídos por la parte superior de la pintura, donde nos encontramos con la atenta mirada de la retratada y con su enigmática sonrisa.
Otra innovación sustancial y muy importante es la técnica utilizada para realizarla, técnica que lleva como nombre una expresión del propio Leonardo: sfumato. Esta técnica consiste en aplicar capas translúcidas de color para crear una apariencia de profundidad, volumen y forma. Esta combinación de colores y la forma de aplicarlos se vuelve tan sutil que hace que las gradaciones entre sus diversas partes apenas sean perceptibles. Las áreas alrededor de los ojos, la boca y el pelo tienen una apariencia semi-translúcida que da a la pintura una sensación de movimiento. Leonardo también utiliza esta técnica en el paisaje. Recuerda que esta técnica es completamente nueva y nos aporta una percepción realista del retrato y lo que se representa, una verdadera revolución para la época.
En cuanto a el paisaje, hay que decir que es a ambos lados de la figura, levemente distinto, siendo el área izquierda más clara  que el área derecha. Se debe resaltar además que este es uno de los primeros retratos que contiene un paisaje  imaginario. Por último, el hecho de que veamos el fondo casi borroso, aparentemente fuera de foco incrementa la sensación de realismo de la pintura. Los retratistas anteriores y quienes vivieron en la misma época que Leonardo, tendían a crear iguales niveles de detalle en los primeros planos como en los fondos. Esta forma de mostrarnos el fondo de la pintura, esta forma de plantear el paisaje y la sensación de profundidad y realidad que nos brinda se denomina perspectiva aérea.
Otro aspecto importante a destacar es la exactitud en la representación de la figura humana, por ejemplo detengámonos en el detalle de sus manos: ¿cómo se logra representarlas así?  Se dice que  gracias al estudio que Leonardo realiza del cuerpo humano a través de la sección de más de 30 cadáveres,  lleva a que el artista pueda describir con mucha precisión esas bellas y delicadas manos. 

Por último: ¿Quien es ella? Los expertos no están de acuerdo pero se dice que probablemente sea la Madonna Lisa di Antonio María Gherardini, esposa del acaudalado (muy rico) florentino Francesco del Giocondo quien encarga la pintura en 1503.
"Leonardo caminó sobre la delgada línea que va entre la representación  precisa y los halagos, y tal vez comenzó a infundir en ella sus propios puntos de vista sobre la belleza. Se dice incluso que el artista llegó a viajar con la pintura para mostrar a todos lo increíble de su talento".
Fuente: Adaptación-transcripción del vídeo  toda la información pertenece a sus autores y solo es planteada aquí con fines didácticos.

Ejercicio:
1) ¿Cuál es la importancia del Retrato en el Renacimiento?
2) ¿Quiénes son los pintores que se destacan en el arte del Retrato?
3) Enumera las características técnicas que posee la pintura de Leonardo da Vinci.
4) Qué diferencia a la Monna Lisa de otros retratos pintados por Leonardo da Vinci?

Un viaje por la ruta de las Especias

¿Por qué Portugal primero y España luego, decidieron navegar los profundos mares, plagados de faunas fantásticas y sacudidos por tempestades terribles? "Ciertamente no fue la presión demográfica (aumento de población), ni por la intención planificada de someter al mundo exterior a una cristiana expansión del espacio vital, ni por el determinismo geográfico de la ubicación peninsular... La causa determinate fue de naturaleza económica. El sector privilegiado de la Europa labradora y vegetariana en sus niveles populares necesitaba proteínas animales, exigía la presencia de la carne en una dieta de la cual los barones feudales consumían la parte del león. El ganado, semoviente fue el protagonista de un capítulo del singular proceso económico. En efecto, el duro invierno europeo provocaba la desaparición estacional del forraje y como en esas condiciones era imposible mantener los vacunos y porcinos que no cabían en los pequeños y poco surtidos establos medievales, había entonces que sacrificar los excedentes para mayor gloria de los banquetes señoriales. A los banquetes pantagruélicos que gustaban damas y caballeros respondían el sacrificio de vacas y cerdos. Para conservar la carne sin que se descompusiera, durante los largos meses invernales se necesitaban sal y especias: el jengibre de China y Malabar, la pimienta de la India, la canela de Ceilán, la nuez moscada  y la macis de las Célebes, el clavo de olor de las Molucas. La sal era el producto preservante menos oneroso, pero las especias, gratas a los paladares nobles, inauguraron un nuevo ciclo de exigencias gastronómicas que serían puntualmente contempladas por los mercaderes. (...)
El comercio de las especies estaba en manos de los comerciantes islámicos y su difusión en Europa había sido acaparada por los venecianos y genoveses, los pueblos navegantes del mar interior. Pero antes de llegar a Europa las especias enriquecían innumerables postas de revendedores atrincherados en los mercados intermedios a lo largo de dos dilatadas y onerosas rutas.

La ruta marítima se iniciaba en Insulindia, desde donde los sampanes y juncos cargaban sus bodegas para vaciarlas luego en los puertos de Malasia y Ceilán. En dichos puertos las especias eran adquiridas por mediadores que las revendían en Calcuta y Goa, emporios de la costa de Malabar, o marchaban, iniciando la ruta terrestre, a Ormuz, en Persia. Allí se produce un nuevo cambio de manos y un respectivo encarecimiento de los productos: desde la costa indostánica parten hacia Aden y luego de una riesgosa navegación por el océano Indico se vuelven a vender. Se opera entonces un cambio de bodegas y de dueño y la salida hacia Jedda, sobre el Mar Rojo. Desde Jedda los camelleros, recientes compradores de las especias, marchan en busca de Alejandría, a orillas del Mediterráneo, donde los marinos venecianos las hacinan en sus galeras y las revenden a precio de oro a los magnates de la cristiandad.
Las rutas iniciadas en Ormuz adentraban las especias en el ex-imperio sansánida conquistado por los árabes y largas filas de camellos las conducían hasta Bagdad. Desde este trampolín enclavado en el corazón de Mesopotamia las preciosas caravanas se dispersaban en dos distintas direcciones: unas partían hacia Scutari en el Mar de Mármara, o a Trebizonda en el Mar Negro; otras buscaban las pistas que, a través de Siria iban a morir al Levante, en las costas Mediterráneas, donde atentos siempre, los capitanes venecianos y genoveses cargaban sus barcos en el atestado puerto de Beirut. (...) El monopolio asiático en gran escala estaba en manos de los infieles, los enemigos del Señor, condición que no impedía que fuesen excelentes abastecedores de los amos del comercio europeo. Cansados del monopolio de venecianos y genoveses, contra los cuales no podían competir el resto de Europa (catalanes, castellanos, portugueses etc), y deseosos de llegar directamente a la tierra de las especias, la Europa labradora de la fachada atlántica cambia el arado por el gobernalle. El caballero ecuestre lanza su reto a las verdes praderas del océano. Comienza así un nuevo y prodigioso episodio en la historia que inagura la edad de los grandes descubrimientos terráqueos". Información tomada de la excelente publicación de Daniel Vidart, "Ideología y realidad de América", perteneciente a la colección Nuestras Raíces; editorial Nuestra Tierra, Montevideo 4ta edición 1990.
Imagen Mapa e información sobre Marco Polo en: http://coordenadasculinarias.blogspot.com/2007/10/nuestra-misin-es-ser-el-equipo-de.html
Imagen sobre Caravana de camellos tomada de:http://stravaganzastravaganza.blogspot.com/2011/12/la-ruta-de-las-especias.html 
Más información sobre la Ruta de las Especias en: http://blog.lasociedadgeografica.com/historia-2/la-antigua-ruta-de-las-indias-especias/

El Humanismo.

El humanismo es un conjunto de ideas y conceptos, difundidos por diversos creadores europeos, entre 1450 y 1550. El termino humanista, acuñado en la época designa a la persona que ha recibido y aplica una específica educación literaria. Para lograr esta educación, se hace necesario a los autores incorporar al patrimonio cultural de occidente, la literatura clásica; el estudio de la obra clásica se realiza mediante la crítica textual e histórica. El humanismo sin embargo, no constituye un cuerpo doctrinario único, y cada autor tiene características propias, no obstante, lo que tienen en común todos es la afirmación reiterada del valor del hombre y su identidad. Esto se corresponde al clima general presente en la época, que en el arte se expresa a través de un nuevo género, El retrato, o también en la literatura en la elaboración de biografías. Esto significa que artistas y pensadores buscaban a su modo resaltar el valor del hombre, su dignidad e individualidad, el sentimiento de satisfacción y orgullo, derivado de la propia condición humana. Al decir de la época "el hombre es la medida de todas las cosas". Se destacan los estudios humanísticos y el valor de la razón y la educación. Las ideas humanistas tienen en la época el vehículo ideal para su difusión: el libro.
Existen diversas vertientes o ramas del humanismo, destacándose principalmente las siguientes:
* El humanismo filosófico.
* El humanismo cívico.
* El humanismo religioso.

Ejemplo del pensamiento humanista: Erasmo de Rotterdam.
Nace en 1496, en la ciudad Holandesa de Rotterdam, siendo educado en el estudio de la literatura y las lenguas greco-latinas, formación propia del humanismo renacentista, del que fue uno de los más destacados y refinado representante. Cuando muere su padre, debe ingresar en el convento de los agustinos de Stein, donde la vida esta regida por reglas muy estrictas, así como por el pensamiento dogmático incapaz de adaptarse a la época. En 1492 toma los hábitos monacales, y pasa prestar servicio como secretario del obispo de Cambrai. Esta posición le permite realizar viajes por toda Europa y entrar en contacto con pensadores y políticos de la época. Posteriormente, en 1515 se doctora en Teología y se instala en Basilea, ciudad en la que se había constituido como centro importante en el desarrollo y difusión del humanismo. Es entonces cuando desarrolla sus ideas sobre problemas religiosos y cívicos. Plantea la conjunción entre libertad y religión. En la época la religión se había convertido en un conjunto de prácticas vacías. El hombre mediante la religión debe acercarse a Dios. Es por ello que Erasmo trabaja en una versión crítica del Nuevo Testamento, mediante la que pretendía acercar al hombre a la lectura de la Biblia. Erasmo buscaba así que la sociedad renovara la fe, retornado a los principios y el espíritu del verdadero cristianiamo, corrompido en la época por instituciones corruptas.
Obras:
* Manual del Caballero Cristiano: el hombre debe examinar su propia conciencia y hacer uso de su libertad y de la auténtica fe para recorrer el camino hacia Dios.
* El Elogio de la locura, 1509 (dedicada a su amigo Tomas Moro, ministro del rey inglés Enrique VIII): es una sátira donde se realiza una crítica a la sociedad de la época, donde todos los sectores sociales son analizados por la locura, quien narra el relato.
* La Educación del Príncipe Cristiano, escrita en 1516 y dedicada al rey español Carlos V.
Parte de la información es extraída de: "Semblanza filosófica de Erasmo de Rotterdam", por Elena Diez de la Cortina Montemayor.
"La primera condición de la felicidad es que cada cual este satisfecho de ser lo que es", Elogio de la Locura.
"Así pues, mi querido Erasmo, hombre amable, si os parece bien, reconoced en mi a uno de vuestros hermanos en Jesucristo", Carta de Martín Lutero a Erasmo de Rotterdam.
Para saber mucho más sobre Erasmo: http://blogs.ua.es/erasmoderotterdam/

Miguel Ángel: el poder de la expresión.

Miguel Ángel Buonarroti (Michelangiolo di Ludovico di Lionardo di Buonarroti Simoni) nacido en Caprese (Toscana) en 1475 y muere en Roma en 1564. En el arte de los países mediterráneos, Miguel Ángel es el escultor por antonomasia, solo comparable a los grandes maestros del clasicismo griego. Su padre le había destinado a la ciencia, pero la gran pasión del joven por el arte pronto acabó con estas ambiciones ("Cuando le dije a mi padre que quería ser artista, el montó en cólera diciendo "los artistas son trabajadores, no son mejores que los zapateros"). El joven de 13 años ingresa como aprendiz en el taller de Ghirlandaio, donde parece que solo aprende los rudimentos de la técnica pictórica. Sus grandes modelos son Giotto y Massaccio, como prueban algunos dibujos de la época. Parece que poco después se pone en contacto con el famoso orfebre y escultor Bertoldo di Giovanni. Sus primeras obras, los relieves de la Lucha del centauro y de la Madonna en la escalera (Florencia, casa Buonarotti), revelan las verdaderas raíces de su arte como escultor: por una parte, la Antigüedad Clásica; por otra, el expresivo y vibrante arte de Donatello ("Mi primer trabajo fue un pequeño bajorrelieve, La Virgen de la escalera. María, la madre de Dios se sienta en la piedra de la Iglesia, el niño se retrae en su cuerpo. Se prevé su muerte, y su regreso en escalera al cielo. Mi segundo trabajo, otro pequeño alivio. Mi tutor me lee el mito de la Batalla de los lapitas contra los Centauros. Las fuerzas salvajes de la vida en un combate heroico. Ya a los 16 años mi mente era un campo de batalla. Mi amor por la belleza pagana, el desnudo masculino, en guerra con mi fe religiosa, la polaridad de temas y formas...uno espiritual y otro terrenal... he mantenido estas batallas dentro de las paredes de mi estudio hasta el día de hoy"). Lorenzo de Medici, dotado de una capacidad genial para descubrir el talento artístico, toma al joven bajo su protección y lo lleva a su palacio donde El jardin de la Antiguedad ofrece a Miguel Ángel abundante material de estudio.

"... Un heroe cívico que era una advertencia...el que rige en Florencia debe gobernar con justicia y defenderla con valentía. La atenta mirada...el cuello de un toro...las manos de un asesino...el cuerpo, una reserva de energía. El está a punto de atacar" Miguel Ángel describiendo a El David.

Más tarde, durante su primera estancia en Roma de 1496 a 1501, Miguel Ángel pudo profundizar su experiencia artística, por las impresiones allí recibidas. En Roma crea entre otras obras La Pietà de San Pedro, su única obra firmada. A continuación, Florencia ofrece al joven de 25 años numerosos encargos. En El David llega a materializarse por primera vez la interpretación que Miguel Ángel hace de la figura humana, partiendo del espíritu de la Antiguedad Clásica; por primera vez muestra en su rostro una terribilitá (un horror) que sus contemporáneos consideraron como el rasgo más imponente e inquietante en la creación de Miguel Ángel. Entre 1501 y 1505 le llegan los primeros encargos pictóricos, pintando la Sagrada Familia o Tondo Doni, la única tabla documentada, y elabora el boceto para un mural con la representación de la Batalla de Cascina, del que solo se han conservado detalladas copias y que nunca llegó a realizarse. En 1505 cuando cuenta con 30 años de edad es llamado por el Papa Julio II para que lleve a cabo un gigantesco monumento funerario, que fue simplificándose con el paso del tiempo, primero por razones económicas y tras la muerte del Papa, por la falta de interés. Posiblemente como compensación, en 1508, Julio II presenta a Miguel Ángel un nuevo proyecto, que parece superar la capacidad humana: la decoración de los techos de la Capilla Sixtina. Tras un esfuerzo supremo, en 1512 Miguel Ángel lleva a término la descomunal empresa. Nunca estuvo la pintura tan dominada por planteamientos plásticos, como en esta obra maestra de Miguel Ángel.
El camino tomado en los techos de la Capilla Sixtina, que concede exclusividad total a la figura humana, seguirá presente en las siguientes obras pictóricas del artista. En 1534 se traslada definitivamente a Roma; de 1536 a 1541, se dedica a pintar el Juicio Final en la pared del altar de la Capilla Sixtina y de 1542 a 1550 los frescos de La Crucifixión de San Pedro y la Conversión de San Pablo en la Capella Pasolina del Vaticano. A diferencia de todas las representaciones sobre el Juicio Final de los siglos anteriores, la de Miguel Ángel que ocupa toda la pared del altar, parece una visión del fin del mundo, en la que la luz no consigue vencer a las tinieblas. Con esta obra Miguel Ángel traspasó los límites de lo permitido por la Iglesia de la época. Los desnudos de las figuras produjeron tal escándalo, que en 1559, a petición del Papa Pablo IV, Daniele da Volterra , dio los primeros retoques a los frescos, los cuales todavía serán alterados en cuatro ocasiones más.

En los últimos 20 años de su vida Miguel Ángel se ocupa cada vez más de proyectos arquitectónicos: en 1546 se encarga de la construcción del Palazzo Farnese y comienza los planos para la remodelación de la Plaza del Capitolio; un año más tarde se le confía la dirección de las obras de la Basílica de San Pedro, que sus discípulos realizaron siguiendo su modelo.
Miguel Ángel se liberó de las ataduras de la tradición como ningún otro artista había hecho antes, con lo cual concedió al arte un mundo entero de nuevas posibilidades expresivas. Antes que él, ningún artista había plasmado en su obra hasta tal punto sus vivencias y sufrimientos personales. Con Miguel Ángel aparece un nuevo tipo de artista. La ampliación de las posibilidades de expresión, el desmantelamiento de las tradiciones, que si bien ataban, también servían de punto de referencia, todo esto trajo consigo daños incalculables y Miguel Ángel lo entendió mejor que cualquier artista de su época".

"Sería imposible para cualquier artesano o escultor, no importa lo brillante que sea, superar la gracia o el diseño de esta obra, o tratar de cortar y pulir el mármol con la habilidad que Miguel Ángel muestra. La Piedad fue una revelación de todas las potencialidades y la fuerza del arte de la escultura. Entre muchas características bellas, esto está demostrado por la belleza del cuerpo de Cristo mismo.

 Sería imposible encontrar un cuerpo que muestre el dominio del arte y la posesión de los miembros más hermosos, o un desnudo con más detalle en los músculos, venas y nervios que se extienden sobre su armazón de huesos, o un cadaver más mortal. La expresión hermosa de la cabeza, la armonía en las articulaciones, las piernas y el tronco, y la finas tracerías de las venas, son tan maravillosos que es difícil de creer que la mano de un artista pudiera ejecutar esta obra tan inspirada y admirable, tan perfectamente y en tan poco tiempo. Sin duda, es un milagro que un bloque de piedra sin forma, pueda haber sido reducido a una perfección que la naturaleza es apenas capaz de crear en la carne". 

Giorgio Vasari, La Vida de los Artistas, Publicado en 1550.

Un artista temperamental....

"..Es terrible, como ves, no puedes hacer nada con él", estas son expresiones del Papa Julio II que atestiguan el carácter de Miguel Ángel. De hecho todas las fuentes se refieren a él como poseedor de modales bruscos y groseros, de carácter difícil, de gran susceptibilidad e intransigencia, muestran las dificultades que muchas veces tuvieron sus relaciones con los demás. Se dice que no tenía alumnos, ni colaboradores constantes, y siempre utilizaba a los chicos de su taller como sus asistentes. La enemistad entre él y Leonardo da Vinci es famosa. Había más de 20 años de diferencia de edad entre ellos. Al regresar a Florencia, a los 50 años de edad, estaba seguro de recuperar el lugar que le correspondía en el ambiente artístico. Fue recibido con honores, pero no contaba con el ascenso de Miguel Ángel, que estaba en boca de todos y había recibido el encargo para realizar El David. Se dice que Leonardo y Miguel Ángel se cruzaron un día en el puente de Santa Trinità. Leonardo, acompañado por amigos, se niega a recitar un pasaje de la Divina Comedia de Dante, a lo que Miguel Ángel le dice que debía hacerlo, ya que tenía la costumbre de huir cuando no podía realizar algo como fue el caso del monumento a Ludovico el Moro, en Milán.

Fuentes:

La Pintura del Renacimiento, por Manfred Wundram.

Website con muy completos e interesantes datos del artista:http://www.michelangelo.com/buon/bio-index2.html 

La Imprenta

Biblia Pauperum 

"La imprenta nace en Alemania, en Maguncia, alrededor del año 1450, siendo Gutenberg probablemente el inventor de la nueva técnica, o tal vez el primero que la utiliza". La imprenta es un medio mecánico que permite reproducir textos a través de tipos móviles. Se dice que fueron los Chinos quienes la inventaron y que occidente toma de oriente su uso, sin embargo debido a la incomunicación existente entre ambas zonas geográficas se podría afirmar que se re-inventa en Europa en el siglo XV. Surge para satisfacer las nuevas necesidades culturales de una Europa urbanizada, rica y en pleno crecimiento. Los precedentes a esta gran invención son el libro manuscrito y el libro xilografiado, para este último caso fue muy popular la "Biblia de los pobres" (Biblia Pauperum) creada en base a dibujos que ilustraban diversos pasajes de la biblia de uso común para los sectores sociales mas desposeídos.  Los manuscritos eran libros copiados a mano, en los monasterios, lo que llevaba mucho tiempo de elaboración a un costo bastante alto. Esto provocaba que solamente algunos pocos pudieran pagar un libro como por ejemplo los ricos, la Iglesia y las Universidades, que solo contaban con pequeñas bibliotecas.
¿Como funcionaba?
"El tipógrafo recibe el manuscrito del autor y compone el texto a imprimir disponiendo de tipos metálicos en relieve sobre un marco. Toma los tipos que necesita de las cajas dispuestas ante él.. Una "fundición" comprende alrededor de 300.000 tipos y un taller dispone de 3 a 6 fundiciones. Los caracteres móviles se funden con una aleación de plomo y antimonio. Progresos técnicos en la extracción minera y en la metalúrgica permiten encontrar aleaciones fácilmente fundibles. La placa compuesta por el tipógrafo se denomina "molde". El impresor fija el molde sobre la platina, especie de carro móvil capaz de avanzar o retroceder. Luego recubre el molde con tinta y lo sitúa encima de la hoja de papel. La platina avanza bajo la prensa cuya plancha giratoria cae violentamente permitiendo el paso de la tinta fijada en los tipos al papel. Los impresores emplean nuevas tintas con una base de aceite y de lino cocido, llamadas entonces secantes. Las hojas impresas por ambas caras, numeradas, se envían con rapidez al secado, luego se clasifican y por último se encuadernan. A fines del siglo XV, en Venecia, el impresor humanista Aldo Manuzio emplea los caracteres llamados itálicos que se impondrían poco a poco eliminándose los llamados góticos, utilizados por los impresores alemanes".

"Los impresores utilizan en esta época un nuevo soporte: el papel. La técnica de fabricación procede de China, se propagó a lo largo de la ruta de la seda y llegó a Europa en el siglo XII aproximadamente. Los italianos son los primeros en fabricar el papel y rápidamente descubren que pueden utilizarlo como materia prima  partiendo de trapos viejos de lino o cáñamo. Los trapos se trituraban y amasaban en una corriente de agua limpia para obtener una pasta que, extendida sobre un marco de madera guarnecido de hilos, alambres de latón, se convierte en una hoja delgada tras el secado.
Los primeros molinos de papel se construyeron en Fabriano, y luego en Voltri, Padua y Venecia. Poco a poco los molinos italianos producen excedentes que se exportan. El agua proporciona la fuerza motriz que mueve los martillos que hacen jirones los trapos; también produce la materia prima de la mezcla, de ahí que sea necesario que este limpia". (...)

"El uso del papel y de signos metálicos móviles permite la multiplicación rápida del número de ejemplares. Los incunables (son los libros impresos antes de 1500) ascienden  a un número de 10 a 15.000 títulos. Son aproximadamente entre 10 a 40 millones de libros los que circulan por Europa en la segunda mitad del siglo XV".
A pesar de esto la alfabetización en Europa era baja, muchas personas no sabían leer ni escribir. No obstante igual fueron afectadas por la cultura del libro, ya que muchos artistas viajeros leían para toda las personas en los mercados, como una forma de ganarse la vida".
La invención y uso de la imprenta permitió generar mayor cantidad de libros, en un menor tiempo y a un bajo costo. Por ello significó una verdadera revolución cultural ya que implicó la sistemática difusión del conocimiento, que se vio acompañada por una ampliación y mejora en la educación.

Texto tomado de: "El Siglo XVI, de los grandes descubrimientos a la Contrarreforma", Michel Péronnet.
Imagenes de manuscritos: tomada de http://www.wdl.org/es/item/8944/zoom/#group=1&page=197

Renacimiento artístico.

Acá les dejo las primeras obras que trabajamos en clase.

Rogier van der Weyden.
Descendimiento, hacia1435-1440.
Pintura al temple sobre madera, 220 x 262 cm.
Madrid, Museo del Prado.

Jan van Eyck
El matrimonio Arnolfini, 1434.
Pintura al temple sobre madera, 82 x 60 cm.
Londres, National Gallery.

Protagonistas del Renacimiento. Las mujeres y el arte.

Para ampliar lo que trabajamos en clase sobre Renacimiento, vamos a ver a una artista, una distinguida figura femenina en un tiempo protagonizado por hombres. Desde este punto de vista, observamos que además del talento de manifiesto en sus obras, el hecho mismo del ejercicio artístico por esta mujer es una conquista, en una época donde era muy difícil el acceso femenino a estas actividades.

"La presencia de la mujer en la pintura del Renacimiento es muy limitada, principalmente por la persistencia de prejuicios morales propios de la época. Se consideraba impropio que una mujer asististe a las clases de desnudos, mientras que los temas religiosos e históricos, eran por su importancia reservada a los hombres. Sin embargo un limitado grupo de afortunadas lograron superar estas limitaciones, logrando alcanzar una buena reputación internacional".
Quien nos mira desde el retrato es Sofonisba Anguissola, nacida en Cremona, en el seno de una familia aristocrática en 1532. Huérfana de madre desde pequeña, es educada por su padre Amilcar, de acuerdo a una vocación humanística, permitiéndole incluso recibir clases de arte junto a su hermana en el taller del pintor Bernardino Campi durante cuatro años y luego con el pintor Bernardino Gatti. En 1554 viaja a Roma y conoce nada más ni nada menos que al gran Miguel Ángel, de quien recibe consejos. En 1558, en Milán ingresa, debido al prestigio alcanzado, en el selecto grupo del duque de Alba. Esto le vale una recomendación que la lleva a trabajar en la corte española para la reina Isabel de Valois, y luego de su muerte para el propio rey Felipe II. En España sus trabajos se ven influenciados por el gran pintor Sanchez Coello. A los 38, aún soltera, contrae matrimonio con Fabrizio Moncada, con quien permanece hasta la muerte de su marido. En su regreso a Cremona, se produce un hecho curioso, Sofonisba contrae matrimonio con el capitán del barco,  Horacio Lomellini, menor que ella, con quien permanece casad hasta su muerte, a los 93 años de edad en 1625.

"Mis obras hablarán por mi", Artemisia Gentileschi.

Aunque no pertenece estrictamente al período renacentista, debemos citar a otra gran mujer artista: Artemisia Gentileschi. Hija del renombrado pintor Orazio Gentileschi, nace en Roma en 1593, quedando huérfana de madre a los 12 años, siendo además la mayor de 5 hermanos. Crece admirando la pintura paterna, a pesar de que este esperaba que fuese monja y la mantiene prácticamente encerrada. No obstante se produce un incidente con un discípulo de su padre, Agostino Tassi, a quien se acusa de haber violado o seducido a Artemisia. Se lleva adelante un proceso-juicio para restituir el honor. Posteriormente se casa con un pintor florentino elegido por su padre, precisamente en Florencia en 1612.
En 1620 se traslada nuevamente a Roma, y luego a Nápoles en 1631. Se atribuyen 34 obras a esta gran artista, quedando luego de su muerte sumida en el olvido. Sus trabajos se vieron influenciados básicamente por la pintura del gran Caravaggio, en el uso del color y la gran carga psicológica y simbólica de los personajes representados. Es la primera mujer admitida en la Academia de Arte de Florencia en 1616, es la primera mujer que vive de su obra y la primera y única mujer en adoptar el Caravagismo.

"La bella Simonetta".
Por último tenemos a una bella mujer que cautivó a Florencia y que fue inspiración de grandes artistas. Su nombre era Simonetta Cattaneo de Candia y nació en un hogar noble en 1453. Hay diversas opiniones sobre su nacimiento, llegando a afirmar algunos que es originaria de Portovenere, la cuna de la mítica Venus. A la edad de 15 años se casa con Marco Vespucci, emparentado con el famoso cartógrafo Americo Vespucci. La pareja establece su residencia en Florencia, en el momento de mayor efervescencia cultural de la ciudad. Es así como muchos poetas, artistas y políticos conocen a esta belleza... tal vez la más famosa de la época y la toman como musa inspiradora de sus obras. Fallece muy joven a los 22/23 años de tuberculosis y se dice que se llevo su ataud abierto en cortejo por las calles, para que las personas la viesen por última vez. Para muchos fue el amor imposible del pintor Sandro Boticelli, autor de la obra que citamos aquí, llamada El Nacimiento de Venus... justamente en este fragmento vemos el rostro de Simonetta elegida por el artista para personificar a la mismísima diosa de la belleza. Cuando muere Sandro es enterrado a los pies de la tumba de Simonetta en la Iglesia de Ognissanti.

Documento para trabajar en clase.

Fragmento de la obra de Jan Van Eyck, "El Matrimonio Arnolfini"( 1434). Retrato de Giovanni de Arrigo Arnolfini.

Venecia, 24 de abril de 1481

Estimado Giovanni:

Las noticias que me han llegado hace tres días me mueven a escribirte esta carta, de la que espero tu rápida contestación.

Como ya sabes, desde hace más de tres siglos, mi familia se ha dedicado a las actividades comerciales. Las buenas relaciones con la ciudad de Bizancio y los puertos y consulados comerciales que esta República tiene en el Mediterráneo oriental nos han facilitado una gran actividad en esa parte del mundo. No obstante, desde que nuestro compatriota Marco Polo realizara su viaje a los confines del Oriente las tierras que conocíamos se nos han quedado pequeñas, y la demanda de nuevos productos, prácticamente desconocidos hasta ahora, y la búsqueda de nuevos mercados donde vender se nos hacen hoy imprescindibles.

Las noticias que nos llegan de los países que llaman India y China ya no provienen indirectamente a través de los musulmanes. Algunos viajeros europeos, pocos todavía, comienzan a plantearse la posibilidad de dirigirse hacia el final de la Tierra mediante la navegación. Parece que los portugueses, que desde ya hace unos años recorren la costa africana en dirección al Sur, están encontrando y explorando nuevas tierras, de las que extraen metales preciosos y especias que ponen en circulación en nuestro mundo cristiano y enriquecen su país.

El mundo mediterráneo ya no es el mismo desde la caída de Constantinopla, la antigua Bizancio, hace casi tres décadas. Los turcos han ido dominando nuestro mar, y ni los genoveses, ni tus vecinos aragoneses ni tan siquiera nosotros los venecianos, que en otros siglos dominábamos el mar y su comercio, podemos hacer nada frente al poder turco y su piratería. Las islas griegas que antes eran puertos y consulados nuestros han caído en manos de esos infieles. Todo se ha arruinado y nos estamos empobreciendo.

Es posible que haya nuevas rutas y tierras en África y Asia donde existan numerosos productos y riquezas. Pero para tan gran aventura se necesita un patrón poderoso que pueda costear los gastos de un viaje de estas características. Es por esto que me dirijo a ti, estimado Giovanni, porque sé que conoces bien los reinos de esta parte del mundo a través de tus viajes y, a pesar de tu juventud, podrías iniciar alguna conversación con las cortes de portugueses o castellanos, que son los que más interés están poniendo en las exploraciones atlánticas, o incluso franceses o ingleses, conocida la rivalidad entre todos estos reinos.

Te encargo, pues, que busques la ayuda necesaria para que podamos volver a ser una república poderosa volcada al mar y a las riquezas que a través de él nos llegan. Necesitamos volver a ser respetados para mayor gloria nuestra.
Francesco

Carta de Francesco Fermi a un comerciante veneciano establecido en Zaragoza.